lunes, 30 de marzo de 2020
viernes, 20 de marzo de 2020
LA MÙSICA
LA MÙSICA
"El arte de las musas" es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas.
La música, como parte de un proceso compositivo de raíz psico-anímica, tiene una importante base emocional-sentimental. Ejemplo de ello es que la mayor parte de la música popular contemporánea gira en torno a temas relacionados con el amor y sus vicisitudes (desengaños, apasionamiento...). En base a ello, los diferentes géneros musicales que han ido surgiendo a lo largo de la historia se han relacionado en mayor o menor medida con la diversidad de emociones y sentimientos de la experiencia humana (el amor, la muerte, la búsqueda de la felicidad). Así, por ejemplo, en la época del Romanticismo la música instrumental es considerada la mejor y más perfecta forma artística para expresar emociones que no se pueden decir con palabras. En la actualidad, con el surgimiento de la música popular de masas, aparecen nuevos estilos que también podríamos relacionarlos en mayor o menor medida con la expresión de emociones.
EL DIBUJO
¿Qué es Dibujo?
El dibujo es el arte y técnica de dibujar. Mediante el acto de dibujar, queda plasmada una imagen, sobre un papel, lienzo o cualquier otro material, haciendo uso de diferentes técnicas. El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano horizontal, o sea en dos dimensiones. Es también una de las artes visuales. A lo largo de los años la humanidad lo ha utilizado como una forma de expresión universal y también de transmisión de la cultura, el lenguaje y demás. El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos reales, cuando hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice que es mejor dibujar. Siempre el artista realiza un trabajo mental previo a plasmar sus ideas, en donde mezcla ideas, sentimientos, recuerdos u otros para obtener el acabado final.
Tipos de dibujos
Artístico. En este tipo de dibujo se expresan las ideas del artista, haciendo uso de diferentes técnicas, como la perspectiva, e incluso de materiales, ya que existe una extensa variedad de lápices y otros elementos para dibujar, como el carboncillo.
Técnico. Este segundo tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo planos de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que utilizan los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera). A su vez, el dibujo técnico tiene cuatro clasificaciones: natural, continuo, industrial y definido.
- Dibujo de concepción
- Dibujo de definición
- Dibujo de fabricación
- Dibujo industria
Elementos usados en el dibujo
- Instrumentos. Comprende todos los artefactos que trazan las líneas y también aquellos que permiten hacerlas, así como los lápices de grafito y las reglas.
- Tintas. Son los pigmentos y los colores que el artista utiliza para dar más cuerpo a su obra. Pueden aplicarse con ayuda de instrumentos secos, como los lápices, o húmedos, como los marcadores.
- Soporte. Todos elemento que ayude a sostener el papel o sobre el que se dibuje, como un lienzo.
EL BAILE
E L B A I L E
El baile es un arte y en él hay sitio tanto para hombres como para mujeres. Independientemente del estilo. El hombre es una figura importante, pero no solo para ser portador de la mujer, si no para ser protagonista junto a ella. Y no por ello debe ser homosexual como la gran mayoría piensa. Cada estilo de baile tiene una técnica, más o menos “afeminada”, pero no deja de ser una forma de bailar. Es decir que este deporte no influye ni mucho menos en una condición sexual. Curiosamente son los hombres lo que empezaron con este arte… ¿Por qué razón fueron discriminados?
“Todo el mundo baila, porque el baile es movimiento”, afirma Vicente Ferragud, bailarín profesional de danza española y clásico’’
¿El baile significa lo mismo para los hombres que para las mujeres?
El baile es baile, en este maravilloso arte no hay diferenciación de razas, de géneros, de religión o de sexualidad. “El baile es un todo por el todo”, confiesa Aitor Matres y denuncia que si se mancha de estereotipos se estropea la esencia de lo natural y de la belleza que transmite.
Tanto hombres como mujeres sienten el baile de la misma forma, todos buscan expresar lo que sienten a través de él. Porque la danza es comunicar con el cuerpo lo que no se puede expresar con las palabras. Vicente Ferragud es un gran artista de la danza española, para él bailar es su vida y no es capaz de visualizarse en otro trabajo que no sea éste. De hecho, según nos cuenta, para él no es un trabajo, es un arte que disfruta a cada segundo porque la danza es su forma de vida. El artista asegura que con la danza muestra toda esa esencia, todo ese sentimiento que lleva dentro, y eso es lo que lo hace precioso. Tener la oportunidad de romper esa cuarta pared con la gente mediante la danza expresando cómo eres tú, con tu estilo propio y tu propia personalidad, sin engaños ni falsedad.
“En el siglo XVIII se utilizaban máscaras para destacar la expresión corporal de los
bailarines”, recalca Laura Cortés, bailarina de ballet»
Del mismo modo Laura Cortés, bailarina de ballet desde los 3 años, considera que bailar es una fusión de arte y deporte, lleno de sentimientos y en el que expresamos nuestro estado de ánimo, nuestra personalidad y nuestro ser. Desde su punto de vista, ésta es la única forma de hacer buena danza, pues si no transmites verdaderos sentimientos, tan solo estás ejecutando un par de pasos que cualquiera puede realizar. Vicente Ferragud y Aitor Matres coinciden con la bailarina, destacando que los verdaderos bailarines siempre alcanzan. un punto Stanislavski, que significa llegar a sentir de forma real, a base de recuerdos, de sensaciones y de vivencias, consiguiendo ponerse en la piel del personaje que están haciendo y transmitir miles de sensaciones al público.
POESÌA
LA POESÌA
El hombre se comunica mediante la articulación de los sonidos, y fundamentalmente, por la memoria del oído; la naturaleza, por la impresión de los límites y superficies en el ojo, y mediante el ojo, da significado y adecuación y, así, las condiciones de memoria, o la capacidad de ser recordados, a los sonidos, olores, etc. Ahora bien, el arte, usado colectivamente para la pintura, la escultura, la arquitectura y la música, es el mediador entre la naturaleza y el hombre, y el conciliador de ellas. Es, por lo tanto, el poder capaz de humanizar la naturaleza, de infundir los pensamientos y las pasiones del hombre en todo lo que es objeto de su contemplación; el color, la forma, el movimiento y el sonido son los elementos que combina y convierte en unidad en el molde de una idea moral.
MIGUEL ATECHE
Puedo hablar de poesía, si lo hago desde mi circunstancia. Mi circunstancia es mi arte de la poesía, que desde luego, no es el arte de la poesía. Donde ustedes leyeron "creación poética", lean "arte de poesía". Es el arte lo que me agota, decía Yeats, no la inspiración. Es el arte el que permite escribir. Dejen a un lado los posesivos que he empleado. Tomen ustedes todo lo que voy a plantear como la visión de un poeta sobre el mundo de la poesía. Esta es mi limitación y al mismo tiempo mí libertad, aunque haya cosas que puedan servir, creo, a muchos poetas. Agrego algo importante. Los físicos, que son personas que aman la poesía, dicen que "el experimentador no sólo observa un suceso, sino que lo altera por el mero hecho de observarlo". Un físico, Wheeler, agrega que "debemos reemplazar el término observador por el de participante". Agreguemos: no miramos el mundo; participamos de él. No estamos solos. Los que creen que están solos no saben que lo que nos rodea, valga la paradoja, somos nosotros. El microcosmos es la misma cosa que el macrocosmos. Esto es lo que plantean los físicos, y aunque a ustedes les parezca extraño que haya comenzado de esta manera, esto es, más o menos, lo que ocurre al poeta. El poeta está ligado a todos, y el poema además de ser un puente, es otro pequeño mundo que existe porque está unido con el mundo.
Esta es la razón por la cual cuando un poeta habla de poesía no puede sino hablar de su propia poesía. Y su propia poesía nace de su circunstancia, la de su país, la de su lengua, la de su concepción del mundo. Si se trata de su propia poesía, no puede olvidar lo que ha ocurrido en la poesía chilena. No miro a la poesía chilena desde afuera; participo de ella, en ella.
Verlo todo como si lo viéramos por primera vez, y verlo unido al universo, esto parece ser, o es, la poesía. Como decía William Blake:
To see a world in a grain of sand
And a Heaven in a wild flower,
Hold Infinity in the palm of your hand,
And Eternity in an hour.
Estos versos de un poeta del siglo XVIII parecen ser lo mismo que plantea la física actual, o lo que puede decir algún poeta de nuestro tiempo. Es decir: "Para ver un mundo en un grano de arena / y un cielo en una flor silvestre, / sostén el Infinito en la palma de la mano / y la Eternidad en una hora". Esto es el acto creador de la poesía si la entendemos desde su principio. Como se sabe, la poesía es "hacer" y poeta es el "hacedor". Cuando el poeta inicia en el poema su exploración, busca unir lo que nunca estuvo unido para descubrir un mundo distinto, nuevo; y sabe que su poema será el testimonio de esta exploración.
LA PINTURA
LA PINTURA
¿Qué es la pintura?
La pintura es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica según ciertos valores estéticos. La pintura conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores, las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz y el movimiento. De esta manera, busca transmitir al espectador una experiencia estética; donde esa experiencia o sentimiento otorgado será diferente en cada uno de ellos, dependiendo de sus puntos de vista, estado de animo y sus ideologías, pensamientos y/o creencias.
Historia de la pintura
La pintura inicia como técnica de expresión humana hace 32.000 años, con las primeras pinturas rupestres en las paredes de las cavernas que habitaba el hombre primitivo. Empleaba para ello sangre y otras sustancias, que en lo sucesivo serían reemplazadas paulatinamente por aceites y pigmentos. Sus principales focos fueron, durante su historia, el paisaje, el desnudo humano, la naturaleza muerta (o bodegón) y finalmente, el abstraccionismo. La pintura acompañó los lugares ceremoniales y funerarios de las civilizaciones antiguas, como los túmulos funerarios egipcios, los templos romanos o las catacumbas cristianas paleocristianas.
A partir del Renacimiento europeo, se impuso junto a la escultura como una de las grandes formas de expresión humana, siendo muy cultivada por artistas de la talla de Miguelángel, Rafael o Leonardo Davinci.
Técnicas de pintura
Óleo. Empleando aceites y un disolvente llamado trementina, se elabora una pasta pigmentada, viscosa y de origen vegetal, con que se pueden adherir los colores al lienzo, empleando pinceles u otras herramientas. Al secar, los colores quedan fijos a la superficie.
Cera. Se pinta la superficie con ceras calientes, que contienen pigmentos aglutinados, aplicadas mediante pincel o espátula. Finalmente se le aplica un trapo de lino sobre una capa de cera sin pigmento a modo de protección y pulido.
Acuarela. Consiste en el uso de colores diluidos en agua, de consistencia transparente, que se aplican sobre papel o cartulina con pinceles. Con esto se logra una mayor soltura y brillantez, pero requiere de trazos libres e imprecisos.
Témpera. Llamada también gouache, es un material semejante a la acuarela pero con una carga de talco industrial o blanco de zinc, que aporta al pigmento una tonalidad opaca y no traslúcida, ideal para aplicar capas claras sobre otras oscuras y jugar con la luz representada.
Acrílico. Se llama así a una pintura de secado rápido, cuyos pigmentos se sostienen en una emulsión de acrílico (cola vinílica) y aunque son solubles en agua, al secarse son sumamente resistentes.
6.Tinta. Conocida como “tinta china”, se usa sobre papel y sobre todo en tonos negros o sepia, usando una pluma o plumín. Es muy frecuente en el arte oriental, sobre todo en su caligrafía pictórica.
7. Pastel. Se usan barras de colores fabricadas a partir de pigmentos en polvo diluidos en goma o resina hasta formar una pasta compacta y seca. No se necesitan herramientas para su uso, sino directamente se sujetan con la mano.
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